激动的心情，或许在抢到演唱会门票的那一刻就开始了。
接下来的日子，你把专辑里的歌一遍遍循环播放，重新记住每一句歌词，挑选那天要穿的衣服，甚至设计应援物料。与此同时，另一边的世界也在悄然运转：舞台被搭建起来，灯光与机械不断调试，舞蹈和音乐日复一日排练、重组，直到演出的那一天来临。
蔡依林“PLEASURE”演唱会现场，“蛇冠心座“装置
2025年，中国5000人以上的大型营业性演出达到3000场。演出经济热浪背后，映照的是观众强烈的情绪需求——“看演唱会比做心理咨询更治愈。”
今年年初，歌手蔡依林带着全新巡演“PLEASURE”登场。舞台上，动物、神话与欲望符号交错，构成一个天马行空的视觉宇宙。
这场巡演的创意制作由澳大利亚导演、创意导演、制作人、编舞Ashley Evans与Antony Ginandjar领衔的The Squared Division操刀。这对长期活跃于欧美舞台的创意搭档曾与Shakira、Katy Perry等国际流行巨星合作。NOWNESS对他们进行了专访，聊了聊舞台的创意与设计，以及在当下，我们为何如此需要演唱会。
The Squared Division
Evans和Ginandjar自2005年开始合作，最初作为音乐剧演员入行。他们热爱舞台、喜欢讲故事，擅长把流行音乐演出变成一种介于戏剧与演唱会之间的形式。
整场“PLEASURE”巡演舞台仿佛一出古典戏剧的五幕结构。故事从一个女孩主动离开传说中的完美伊甸开始，情节层层推进，引领观众走入一段关于欲望与自我觉醒的旅程。
在The Squared Division的想象里，这场演出是一头“戏剧巨兽”。他们迷恋那些超现实尺度的舞台设计。当“大公牛”游行而过，那种压倒性的视觉冲击正是体验的一部分，观众得以彻底沉入这个魔幻的奇境。
长达30米的机械巨蛇装置
NOWNESS：“PLEASURE”巡演的核心概念是如何形成的？
Antony Ginandjar：蔡依林的新专辑以“七宗罪”为核心灵感。她认为所谓的“罪”，其实是一种欲望，而欲望可以带来愉悦。我们不必把愉悦看作负面的东西。相反，我们可以利用它们，让自己变得更强大。
希罗尼穆斯·博斯《人间乐园》（约1490-1510年）
演出的视觉概念也受到“命运之轮”的启发，我们把这个想法和“七宗罪”结合起来，发展出“罪之轮”的概念：当你转动它，落在哪一格，就象征着你拥抱的欲望与愉悦。我们的任务，是把这个概念贯穿整个创作体系——从专辑美术、MV，到最终的巡演舞台。
“绿丘巨人”装置，舞者会带动它的头部和手部一起舞动
NOWNESS：演出中有非常多的大型神奇动物，它们象征着什么？
Antony Ginandjar：我们想把舞台打造称一座超现实的花园，这些动物的形象自然而然出现。在演出开场时，“公牛”与舞者一起游行，如同一场“欢迎庆典”。
舞台设计团队High Scream设计的公牛装置，高达7米，长达8米
当观众被带进花园时，我们想要一个神话般的梦幻生物，“飞马”就是最理想的，蔡依林可以骑着它出场。她还替这匹飞马取了名字，叫Victoria。
时下演唱会的意义正在改变，它更像一座限时开放的主题乐园。观众期待一场能松动日常秩序的盛宴，在那个夜晚走进另一个世界。
“PLEASURE”演唱会最迷人的地方或许在于，故事最后抵达的地方，同时是天堂与地狱的交汇。在那里，欲望与缺陷一同被庆祝，它呼应着观内心深处的期望：接纳全部的自我。
十二名舞者高举印有蔡依林脸孔的蛋糕道具，设计灵感来自达芬奇名画《最后的晚餐》
如果说演唱会是可以暂时离开日常的任意门，那更美妙的是，这扇门不是单向的。门的两端，做梦的人与造梦的人，奔向的是同一个应许之地。
NOWNESS：演出涉及的文化意象非常广泛。这样跨文化之间的对话是有意的设计吗？
Antony Ginandjar：这一切是有机发生的。我们把各个地方的叙事和意象汇总带进当代语境。蛇象征着力量，也代表转化和诱惑，还可以在空间中穿行。“湿婆”的形象在演出中象征的是每个人心中的神祇，拥有很多手臂，代表着一种可以选择自己的命运的力量。
列奥纳多·达·芬奇《最后的晚餐》（约1495-1498）
NOWNESS：如今演唱会已经包罗万象，你们想像未来的现场表演会如何发展？
Antony Ginandjar：我们生活在一个追求更多、更快、更刺激的社会。科技与人工智能不断进步，未来的演出可能会变得更宏大、更技术化，但我相信未来终将回到那种简单的美，再从简单回到复杂。
湿婆装置由荷兰AIRWORKS充气结构设计公司制作
创意导演的另一项重要工作，是聚集那些能把想像变成现实的人。演唱会在巨大的尺度上完成创作：灯光、舞台、服装、道具……世界各地的创意力量在此交会。荷兰充气结构设计公司 Airworks 制作了湿婆的巨型装置，溧阳特技团队带来可追溯至春秋时期的杆上杂技。
“剑之丛林”这一场景运用了中国传统杂技中“形体技巧”类的爬竿技艺
在观众看不见的后台，另一场精密表演同时展开：过场音乐响起时，多组工作人员要在不同区域同步转场，一个大型装置往往需要三十名工作人员协力完成。歌手刚在主舞台唱完一首歌，转身便要冲向滑轨装置，从另一座升降台惊喜登场。
这一切都是为了观众。他们挥舞荧光棒，全场合唱，尖叫，欢笑，甚至大哭。这些爆发的情绪就是演唱会的生命力。
归根结底，所有人齐心协力，是为了让一个原本空旷的空间变得无比亲密。当三个小时的魔法散去，或许现实世界也已悄悄发生了改变。
NOWNESS：在这个直播时代，为什么“在场”仍然重要？
Ashley Evans：现场演出的第一目标永远是观众。当我自己坐在体育场最后排时，我唯一想要的就是看得更清楚、离偶像更近，那种距离被拉近的时刻非常美好，你能感受到焰火的热度打在脸上，我不觉得任何线上形式能取代这种体验。
上：Lady Gaga在2025的科切拉音乐节现场
下：Taylor Swift的“时代巡演”现场
NOWNESS：当演出结束，灯光熄灭，观众回家时，你希望他们带走什么？
Antony Ginandjar：我希望观众能带走这个故事的核心：为自己建立一个安全的、被爱包围的世界，然后把这份爱传递给你遇到的每一个人。当然，我也希望他们能单纯地度过人生中最棒的一晚，尽情地舞蹈、放声地歌唱、疯狂地派对。
蔡依林在巨型时钟装置上演唱经典歌曲《妥协》
Ashley Evans：我今天仍然记得小时候看过的一些演唱会。我甚至还会参考那些舞台设计。我希望观众也能带走一段这样永恒的记忆。也许某个小孩看完这场演出，十几年后成为舞者、音乐人或舞台设计师，会回想起来，啊，就是那一年看了那场演唱会，我才开始做这件事。
The Squared Division
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